La Sonde

Projecteur lumineux, caméra, écran, diffusion sonore, ordinateur, programme, câbles, bois, 2020-2022

La Sonde est une œuvre in situ qui est adaptée chaque fois en fonction du lieu où elle est exposée. Un robot semblable à un projecteur explore l’espace tout autour de lui, par un rectangle très intense de lumière qu’il filme. Son image est transmise sur un grand écran posé contre un mur, comme une peinture : on voit ce qu’il voit. Il parle aussi, calmement, comme pensant à voix haute, tentant de décrire ce qu’il regarde. Il s’interroge sur le lieu et sa signification.

La Sonde propose ainsi dans une architecture la fiction d’une entité non humaine et vivante qui l’habiterait. Le dispositif peut évoquer l’attente d’ordre religieux que nous entretenons à l’égard des technologies, et notamment de l’intelligence artificielle, dont le motif récurrent est le dépassement des capacités humaines.

Le langage de la pièce convoque plusieurs registres, des dispositifs de surveillance aux images d’apparitions miraculeuses dans la peinture classique, où l’irruption d’un rai de lumière représente souvent le surgissement du divin. Ici, au lieu de venir de l’extérieur, la lumière surgit de l’intérieur, comme pour susciter une interrogation sur la vision, à tous les sens du terme.

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Production L’Art dans les chapelles et Thierry Fournier
Avec la collaboration d’Etienne Landon, ingénierie et programmation informatique. Merci à Ben Kuperberg.

Entretien avec Camille Martel pour L’Art dans les chapelles

Pouvez-vous nous parler de votre pratique ?

Mon travail s’intéresse principalement à des questions d’altérité, au sens large. Je mets parfois en jeu des relations entre les personnes, mais surtout, nos relations avec le reste du vivant et au-delà : tout ce que nous percevons comme étant doté de conscience, voire d’intention. Cela comprend aussi les formes non-vivantes ou technologiques auxquelles nous sommes confrontés, et à qui nous pouvons parfois prêter aussi une intentionnalité. Je m’intéresse à l’ethnologie, à la pensée d’un environnement beaucoup plus large autour de nous, aux formes comme l’animisme qui prête une conscience à tous les êtres vivants, aux objets et aux éléments.

Mais je travaille toujours à partir de l’humain, et de sa perception. A partir de la relation que nous entretenons nous-mêmes avec ces choses. Cela veut dire que certaines de mes pièces sont dotées de comportements, et font appel pour cela à des programmes. Ces dispositifs peuvent être très simples comme l’installation Just in case qui est exposée en ce moment aux Bains-Douches à Pontivy, où un écran se demande en permanence si ceux qui le regardent sont humains (il les remercie lorsqu’il semble avoir vérifié), ou plus complexes, comme ici à Malguénac.

Pouvez-vous nous raconter votre première rencontre avec la chapelle ?

Je travaille beaucoup in situ. Je suis architecte de formation, j’ai une relation très forte avec cette question. Ma première visite à la chapelle, s’est passée lors de l’édition 2019 de l’Art dans les chapelles, car je savais que j’étais invité l’année suivante, mais sans savoir où. J’avais été plutôt intéressé par les chapelles ayant des espaces assez dénudés, dont la présence spatiale est très forte. C’est le cas de Malguénac, avec ses grandes voûtes blanches qui forment comme une coque.

Ensuite, dès le mois d’octobre, j’ai conçu l’idée principale du projet, qui s’est imposée comme une évidence. J’ai tout de suite pensé à l’idée d’une entité, qui occuperait le centre de la chapelle, et qui l’explorerait pour tenter de la comprendre – un peu comme je l’aurais fait moi-même. Ensuite l’installation a trouvé son langage et sa forme, au fur et à mesure du travail, toujours à partir de cette idée initiale.

Pouvez-vous décrire l’installation ?

La Sonde se présente sous la forme de dispositifs posés sur des socles noirs, au sol, comme un appareil scientifique qui aurait atterri là, ou que l’on aurait posé pour faire des mesures. Elle comprend trois éléments principaux : un projecteur lumineux qui scrute l’espace, avec un rectangle de lumière très forte, et une caméra ; un écran qui diffuse l’image captée par la caméra ; et enfin une voix, diffusée sur une enceinte.

Le projecteur robotisé tourne sur lui-même, lentement. Il projette un rectangle de lumière blanche très intense qu’il déplace tout autour de lui, sur les parois, les voûtes, les objets, comme s’il essayait de comprendre le lieu, mais aussi de comprendre qui il est, et ce qu’il fait.

Il est accompagné d’une caméra, qui filme exactement ce qu’il éclaire, et dont l’image est retransmise sur un grand écran, posé contre le mur, juste à côté. Donc, on voit sur l’écran exactement ce que voient le projecteur et la caméra. Cet écran a un rôle assez particulier. Du fait qu’il est détaché ainsi, posée contre le mur, son image prend déjà une autonomie. Et comme elle est extrêmement détaillée, qu’elle voit beaucoup plus que nous, elle évoque souvent une peinture, très figurative lorsqu’on passe sur les sculptures ou les décors, et parfois très minimale lorsqu’on parcourt les murs ou les voûtes. C’est une peinture, mais qui serait en quelque sorte surhumaine, qui verrait là où nous ne pouvons pas voir, et qui verrait, aussi, davantage que nous.

Il parle, aussi ?

Oui, il parle, avec une voix de synthèse. Il pense à voix haute, comme si il essayait de décrire ce qu’il est, et ce qui l’entoure. Ce sont plutôt des interrogations, comme s’il était équipé pour tout voir et tout examiner, mais que cela ne fonctionnait jamais complètement. Comme un être vivant et pensant, il a sa part de dysfonctionnement, d’incompréhension, qui lui donne elle-même à réfléchir.

Il s’interroge beaucoup sur les figures, les sculptures humaines qu’il voit tout autour de lui. Il a compris qu’elles représentent davantage que des humains, mais il ne sait pas exactement quoi. Il a souvent l’impression qu’elles le regardent. Un peu comme s’il percevait lui-même qu’il y avait une autre présence dans la chapelle, ou que ces sculptures s’adressaient à la fois aux visiteurs et à une autre entité que lui.

Donc c’est aussi une interrogation sur le visible, sur ce qui peut exister derrière ce que l’on voit, et qu’une technologie, même très sophistiquée, ne verrait pas. Cela évoque aussi des questions de surveillance, qui serait exercée par une machine autonome. Parfois, elle donne l’impression de sentir que des humains sont entrés dans la chapelle, mais là aussi elle n’en est pas sûre.

L’installation renvoie aussi aux images d’apparitions miraculeuses dans la peinture classique, dans lesquelles c’est souvent l’irruption d’une lumière qui représente le surgissement du divin, ou une révélation. Ici, la direction de la lumière est inversée : au lieu de venir de l’extérieur, elle surgit de l’intérieur. Comme si l’image classique que l’on avait du divin, comme une force panoptique, omnisciente, qui voit tout, s’était tout à coup retournée comme un gant, et devenait une sorte d’alien, installé au cœur de la chapelle, qui regardait tout, qui surveillait tout, et qui pense devant nous. Cela peut aussi évoquer l’attente quasi religieuse que l’on nourrit vis-à-vis des technologies et notamment de l’intelligence artificielle, dont la perspective est toujours le dépassement de l’humain.

Pouvez-vous décrire le processus de création du projet ?

J’ai travaillé avec un ingénieur et développeur qui s’appelle Etienne Landon, avec qui j’ai réalisé la majeure partie de l’installation, et qui a adapté un logiciel. On est allés chercher un projecteur de spectacle qui tourne sur lui-même à 360 degrés. On a ajouté un cadre rectangulaire sur son objectif, au format de la caméra et de l’écran, un 16/9e vertical. On lui a greffé une caméra sur le front, comme un troisième œil, que l’on a enveloppé d’une coque noire que l’on a dessinée, et qu’Etienne a imprimée en 3D.

Les autres éléments visuels sont plutôt des « objets trouvés » : un ampli, et une enceinte sphérique noire, qui peut elle aussi faire penser à un oeil, un ordinateur, tous les câbles qui sont laissés à vue, en assumant leur caractère organique. C’est vraiment un corps.

Tous les éléments sont posés sur des socles noirs très bas, qui les protègent de l’humidité de la chapelle et qui en même temps leur confèrent cet aspect de dispositif technique, un peu comme ce que l’on ferait atterrir sur une autre planète pour effectuer des mesures, filmer, etc. Ensuite on a un logiciel adapté là aussi par Etienne, qui m’a permis d’enregistrer les mouvements du projecteur dans l’espace au fur et à mesure, en travaillant in situ, et en écrivant le texte, pendant ma semaine de résidence. J’étais seul, dans cette chapelle, et j’écrivais le comportement de cette entité, ce qu’elle disait, c’était une expérience assez incroyable.

Pourriez-vous nous parler aussi des références qui vous auraient accompagnées pendant votre démarche, ou même en amont ?

Je pense souvent à des réalisateurs comme Jonathan Glazer, David Cronenberg, Andrei Tarkovski. Au moment de travailler sur La Sonde je relisais Le Gai Savoir de Nietzsche. Je découvrais Les Métamorphoses d’Emanuele Coccia, et aussi Représenter la vision de Guillaume Cassegrain, qui traite justement de la manière dont on a figuré les apparitions miraculeuses dans la peinture italienne de la Renaissance.

Pour revenir à ce dernier point, c’est vraiment la question de la vision qui est au centre de ce projet, aux deux sens du terme, propre, et figuré. Qu’est-ce que le visible, qu’est-ce que l’on voit avec nos yeux humains, ou que pourrait-on voir avec d’autres yeux, que serait un umwelt radicalement différent du nôtre. Comment peut surgir une altérité fondamentale, qui me semble être une question centrale en art.

En vigie

série de vidéos génératives, 2017

Série de vidéos génératives, format 16/9e, 20’, sonore, en boucle
écran LCD, clé usb, diffusion sonore, 2018

En vigie est une série de vidéos génératives, qui instaure une relation paradoxale entre le regard et l’attente. Un paysage choisi au bord de la mer ou d’un fleuve est filmé en plan fixe. L’image est ensuite interprétée par un programme : chaque mouvement est mis en évidence par une surbrillance, comme une luciole. L’ensemble de ces mouvements commande le déplacement d’une tête de lecture dans un crescendo d’orchestre, qui ne cesse de varier et dont le climax ne se produit jamais.

À travers cette situation de suspens cinématographique artificiel, le paysage et l’horizon deviennent l’objet d’un regard partagé entre humain et machine, qui interroge nos limites mais également les formes contemporaines d’une surveillance augmentée – dont le territoire de la Méditerranée est particulièrement investi.

La série comprend trois vidéos autonomes : En Vigie / Strasbourg en 2017, En Vigie / Nice et En Vigie / Venise (2018), chaque fois d’une durée de 20’ environ, en boucle.

En Vigie / Nice est présentée dans le cadre de l’exposition personnelle Machinal, Villa Henry, Nice, du 25 mars au 28 avril 2018, accompagnée d’un catalogue, avec un texte de Céline Flécheux et un entretien avec Isabelle Pellegrini.

Fenêtre augmentée 05 – Montpellier

commissariat d’exposition, installation in situ et édition, 2015

Exposition collective, installation in situ et édition, 2015
Conception et commissariat d’exposition Thierry Fournier
La Panacée (Montpellier), du 5 au 29 mars 2015
Opéra de Montpellier (version ipad) du 5 avril au 30 décembre 2015
Edition sur iPad à télécharger sur App Store.

Œuvres de Luce Moreau, Marine Pagès, Antoine Schmitt et Thierry Fournier.

La cinquième et dernière exposition Fenêtre augmentée cadre le paysage de la Place de la Comédie à Montpellier. Les trois artistes – Luce Moreau, Marine Pagès et Antoine Schmitt – étaient déjà invités de l’édition 04 à Collioure en 2014. Luce Moreau questionne principalement la représentation du paysage, par une pratique qui associe la photographie, la vidéo et des installations in situ, en interrogeant le rôle des instruments de vision. Marine Pagès aborde par le dessin et des installations in situ les questions relatives à l’occupation de l’espace par l’homme et ses temporalités spécifiques. Développant une pratique exclusivement numérique constituées d’œuvres programmées, Antoine Schmitt crée des figures de comportements et de mouvements qui questionnent les relations entre vivant et machine.

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Œuvres

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Luce Moreau, L’Horizon des évènements 2 : Gauche-droite, 2014

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Thierry Fournier, Plus un geste, 2011-2014

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Marine Pagès, Come di, 2014

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Antoine Schmitt, City of gold, 2014

Crédits

Conception du projet et commissariat d’exposition Thierry Fournier / programmation IOS Olivier Guillerminet / lecteur vidéo IOS Olivier Guillerminet et Jonathan Tanant / conseil technique et programmation Max-MSP Mathieu Chamagne / programmation Mac Os et Max-MSP Guillaume Evrard / streaming des caméras Thomas Lucas / ingénierie Jean-Baptiste Droulers / régie générale Grégory Jacquin / traductions Clémence Homer et Anna Lopez Luna / production déléguée, diffusion et communication : Bipolar – illusion et macadam, Mathieu Argaud et Marielle Rossignol.

Le projet Fenêtre augmentée (installation in situ et édition sur tablettes) est produit par illusion & macadam / Bipolar et cofinancé par l’Union européenne (« L’Europe s’engage en Languedoc-Roussillon avec le Fonds européen de développement régional »). Le projet est lauréat de l’appel Cultures numériques et TIC de la Région Languedoc-Roussillon. Il reçoit le soutien de la Ville de Montpellier et du Conseil Général des Pyrénées Orientales. Coproduction et accueil par la Panacée, Centre de création contemporaine de la Ville de Montpellier. Edition réalisée dans le cadre d’un partenariat entre l’Opéra Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon et La Panacée. Avec le soutien de ZINC, Marseille.

Fenêtre augmentée 04 – Collioure

commissariat d’exposition, installation in situ et édition, 2014

Exposition collective, installation in situ et édition, 2014
Commissariat d’exposition Thierry Fournier
Château royal de Collioure (Pyrénées orientales), du 24 juillet au 15 octobre 2014.

Oeuvres de Luce Moreau, Marine Pagès, Antoine Schmitt et Thierry Fournier. Publication de l’exposition sur iPad, Fenêtre augmentée 04 – Collioure, à télécharger sur App Store.

Le projet Fenêtre augmentée propose une fenêtre interactive sur un paysage comme exposition collective. Une caméra filme en direct un point de vue sur un paysage choisi. Les artistes invités proposent des pièces prenant cette vue pour point de départ : vidéos, œuvres interactives, dessins… Les œuvres sont ensuite positionnées sur la vidéo du paysage, diffusée en direct sur un écran tactile. Le paysage constitue donc à la fois le point de départ et l’espace d’exposition des œuvres. La démarche du projet réside simultanément dans son protocole de travail avec un site, des artistes et un dispositif spécifique, ainsi que dans l’installation qui constitue l’exposition. Fenêtre augmentée est une série itinérante : chaque paysage donne lieu à de nouvelles invitations et créations. Cinq expositions ont eu lieu : Centre Pompidou (Paris) en 2011 ; Fort Lagarde / Prats de Mollo en 2012 ; Friche La Belle de Mai (Marseille) en 2013, Château royal de Collioure en 2014 et La Panacée (Montpellier) en mars 2015 dans le cadre du festival Tropisme, avec Luce Moreau, Marine Pagès, Antoine Schmitt et Thierry Fournier.

La quatrième exposition à Collioure s’installe face à un paysage radical qui présente néanmoins des variations infinies de mouvement, de couleur, de profondeur et d’activité. Les quatre artistes Luce Moreau, Marine Pagès, Antoine Schmitt et Thierry Fournier explorent et interrogent le paradoxe de ce point de vue et ce qu’il implique pour son spectateur. Le projet est déployé à la fois sous forme d’installation in situ, et sur tablettes.

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Oeuvres

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Luce Moreau, L’Horizon des évènements, Ciel / mer

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Marine Pagès, Les Corps flottants

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Antoine Schmitt, No Disc

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Thierry Fournier, En vigie

Crédits

Programmation IOS iPad : Olivier Guillerminet, lecteur vidéo IOS : Olivier Guillerminet, Jonathan Tanant, conseil technique et programmation Max-MSP : Mathieu Chamagne, programmation Mac Os : Guillaume Evrard, programmation Android : Henry Bernard, Jonathan Tanant, streaming : Thomas Lucas, ingénierie : Jean-Baptiste Droulers, régie : Grégory Jacquin, traductions : Clémence Homer et Anna Lopez Luna. Administration, production, diffusion, communication : Illusion & Macadam – Bipolar (Mathieu Argaud, Grégory Diguet, Lise Mullot, Marielle Rossignol)

Le projet Fenêtre augmentée (installation in situ et édition sur tablettes) est produit par illusion & macadam / Bipolar et cofinancé par l’Union européenne. L’Europe s’engage en Languedoc-Roussillon avec le Fonds européen de développement régional. Le projet est lauréat de l’appel Cultures numériques et TIC de la Région Languedoc-Roussillon, il reçoit le soutien de la Ville de Montpellier et du Conseil Général des Pyrénées Orientales. Coproduction et accueil par la Panacée, Centre de création contemporaine de la Ville de Montpellier, Le Château Royal de Collioure – Conseil Général des Pyrénées-Orientales. Avec le soutien de Zinc et La Friche Belle de Mai, Marseille.

Ultima Thulé

série de 4 installations vidéo, 2013

Série de 4 installations vidéo, 2013
Jean Cristofol, Thierry Fournier et Jean-François Robardet
Création dans le cadre de Fenêtre augmentée 03, Marseille, 2013

La série Ultima Thulé est composée de quatre boucles tournées en plan-séquence dans des quartiers Nord de Marseille : le Ravin de la Viste ; l’Oppidum du Castellas ; la Tour Sainte ; les rues de Lyon et Zoccola, avec l’église Copte et les vendeurs à la sauvette du marché aux puces. Le spectateur épouse momentanément le parcours d’un regard parmi ces espaces.

Ultima Thulé est le nom donné en 320 avant JC par Pythéas, explorateur Grec de Marseille, aux îles inconnues du Nord, au-delà de la Grande-Bretagne. Depuis Virgile et jusqu’au Moyen-Age, le mot désigne les confins de l’Europe et, par extension, les terres les plus éloignées que l’on puisse rejoindre.

Production : Zinc / Friche de la Belle de Mai, avec le soutien de Dominique Poulain pour Höfn et de Hôtel du Nord.

Fenêtre augmentée 03 – Marseille

commissariat d’exposition, installation in situ et édition, 2013

Exposition collective, installation in situ et édition, 2013
Conception et commissariat d’exposition Thierry Fournier
Panorama, Friche La Belle de Mai, Marseille, 5 mai – 30 décembre 2013
Edition sur ipad Fenêtre augmentée 03 – Marseille, disponible sur App Store.

Œuvres de Benjamin Laurent Aman, Marie-Julie Bourgeois, Grégory Chatonsky et un collectif formé par Christine Breton, Jean Cristofol, Thierry Fournier et Jean-François Robardet.

Fenêtre augmentée est un projet curatorial consistant à prendre un paysage à la fois comme point de départ et lieu d’une exposition numérique. Sa troisième édition a eu lieu à Marseille, à la Friche de la Belle de Mai / Panorama. Les œuvres sont créées en prenant pour point de départ le paysage des quartiers Nord de Marseille : fixée sur le Silo d’Arenc, la caméra vise le Nord-Est de la ville et se tourne vers un paysage sans monument, en complète transformation.

L’exposition présente 17 oeuvres de 4 artistes ou collectifs : Benjamin Laurent Aman s’approprie le paysage par l’enfouissement d’objets personnels ; Marie-Julie Bourgeois questionne les limites de l’horizon en le remplaçant par des webcams de villes distantes ; Grégory Chatonsky construit une narration fictive à partir du flux des événements survenant dans l’image ; le collectif formé par Christine Breton, Jean Cristofol, Thierry Fournier et Jean-François Robardet propose de rejoindre par le toucher des parcours filmés dans les quartiers Nord de Marseille.

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Œuvres

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Benjamin Laurent Aman, Dead Drops, 2013

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Marie-Julie Bourgeois, Points de fuite, 2013

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Grégory Chatonsky, À l’image, 2013

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Jean Cristofol, Thierry Fournier et Jean-François Robardet, Ultima Thulé, 2013

Edition sur tablettes

En 2013, les expositions Fenêtre augmentée (Prats et Marseille) sont éditées sur iPad. Elles sont alors consultables à distance, leur paysage étant vu en streaming.

Production : Zinc, Marseille Provence Capitale de la Culture 2013, Le Silo Ville de Marseille, avec le soutien de Höfn et de Hôtel du Nord.

A+

installation, 2008 – 2012

Installation, 2008-2012

Dans un espace urbain, une grande stèle d’acier comporte un écran qui diffuse exactement l’image vue derrière lui, comme une fenêtre – mais retardée constamment de 24 heures. Le public est tour à tour acteur et regardeur d’une même scène, entre ceux qui passent dans l’image et ceux qui les observent. Un futur et un passé se font face, à travers un écran.

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Production : Lille3000 et Pandore Production, production exécutive Bipolar. Avec le soutien du Cube.

Anachrones

série de vidéos, 2012

Série de trois vidéos (2012) : Cloud (2’25 »), Mountain (3’36 »), Run (2’25 »). Projet Fenêtre augmentée, Prats-de-Mollo (66), 2012 – 2017

Des instances liquides ou nuageuses à grande échelle se déploient puis disparaissent dans un paysage de montagne. Comme dotées d’une vie et d’un comportement autonomes, leurs figures peuvent aussi bien évoquer des phénomènes originels, des fictions ou l’imminence de catastrophes.

L’une déploie une montagne de fumée qui croît et s’estompe ; la seconde un nuage qui surgit de l’horizon pour se dissoudre dans une vallée : la troisième fait naître deux formes vivantes non identifiées d’un flanc de montagne.

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Fenêtre augmentée 02 – Prats-de-Mollo

commissariat d’exposition, installation in situ et édition, 2012

Exposition collective, installation in situ et édition sur tablettes, 2012
Conception et commissariat d’exposition Thierry Fournier
Fort Lagarde, Prats de Mollo (Pyrénées orientales), 2012-2016
Edition sur ipad disponible sur App Store

Œuvres de Christelle Bakhache et Clément Feger, Jean Cristofol et François Parra, Juliette Fontaine, Thierry Fournier, Simon Hitziger, Tomek Jarolim et Jean-François Robardet.

L’exposition Fenêtre augmentée 02 s’est ouverte en juillet 2012 au Fort Lagarde (Prats-de-Mollo, Pyrénées-Orientales) : elle est visible d’avril à octobre inclus, jusqu’au 30-10-2016 et cadre le paysage de montagne en face du Fort Lagarde.

Christelle Bakhache et Clément Feger abordent avec Gypaetus Politicus le paradoxe de la représentation des dimensions politiques d’un paysage à travers le cas de figure de la protection d’un oiseau. Jean Cristofol et François Parra ont parcouru l’ensemble du paysage vu de la Fenêtre pour réaliser la série d’enregistrements La Borne 514, qui évoque la question de la frontière et la façon dont elle contribue à organiser l’espace. En créant Ós et Sisyphe, deux pièces dont l’une interactive qui associent le dessin et la transparence sur l’environnement, Juliette Fontaine met en relation les temporalités du paysage, de la peinture et du spectateur. Simon Hitziger réalise Hike in Crystals, une série de vidéos à partir d’éléments collectés lors d’une ascension en solitaire du Costabonne, travaillant sur les différences d’échelle, les fragilités et les changements d’état du milieu naturel. Avec Abcisses et Exergues, deux séries de vidéos génératives ou interactives, Tomek Jarolim met en relation la couleur dans le paysage, le dispositif numérique de la fenêtre et le geste du spectateur. Jean-François Robardet travaille autour des notions de défense et de sang contenu dans le paysage, avec la série The Night Shift qui associe six dessins interactifs et une vidéo. Thierry Fournier réalise deux séries de vidéos et photographies, Anachrones et I’m not there, abordant toutes deux les relations paradoxales de projection, de fantasmes et de volonté de maîtrise que nous pouvons entretenir avec la nature.

Œuvres

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Christelle Bakhache et Clément Feger, Gypaetus politicus

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Jean Cristofol et François Parra, La Borne 514

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Juliette Fontaine, Sisyphe

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Thierry Fournier, Anachrones

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Simon Hitziger, Hike in crystals

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Tomek Jarolim, Abcisses

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Jean-François Robardet, The Night Shift

Edition sur tablettes

Fenêtre augmentée 02 à Prats-de-Mollo est éditée sur iPad et téléchargeable sur App Store. L’application permet de faire l’expérience des œuvres sur la vidéo même du paysage qu’elles ont investi, transmis en temps réel par streaming.

Production Région Languedoc Roussillon et Pandore. Production déléguée Pandore et / Bipolar

Fenêtre augmentée 01 – Paris

commissariat d’exposition et installation in situ, 2011

Exposition collective et installation in situ, 2011
Commissariat d’exposition Thierry Fournier
Centre Pompidou, Paris (2011)

Œuvres et interventions de Christelle Bakhache et Clément Feger (Sciences Po Medialab), Céline Flécheux (philosophe et critique), David Beytelmann (historien politique et philosophe), Pierre Carniaux (réalisateur), Benjamin Laurent Aman, Félicia Atkinson, Ivan Argote, Marie-Julie Bourgeois, Juliette Fontaine, Thierry Fournier, Marie Husson, Tomek Jarolim, Jean-François Robardet, Marcos Serrano, Antoine Schmitt (artistes).

La première exposition Fenêtre augmentée s’est déroulée au Centre Pompidou (Paris) en juin 2011. Au sixième étage du Centre, la Fenêtre pointait vers le quartier des Halles, positionnée dans un espace délibérément non muséographique du Centre : le belvédère en haut des escalators. Cette première édition a permis d’expérimenter toutes les dimensions du projet : d’une part en termes de protocole curatorial, de travail avec les artistes, de types d’œuvres proposées et d’autre part en termes de conception de l’objet lui-même (dispositif, interface, comportement, design, etc.). Ces derniers aspects ont donné lieu à une recherche coordonnée par Thierry Fournier qui a réuni un groupe de concepteurs, designers et développeurs, en collaboration avec le laboratoire EnsadLab de l’Ensad (programme Diip / Surfaces sensibles) et le Medialab de Sciences Po.

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Œuvres

Benjamin Laurent Aman, Football Season is Over,

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Ivan Argote : Sans titre, 2010 (réédition) / Jobs

Felicia Atkinson, Ardents Abris

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Christelle Bakhache et Clément Feger, Flux, prix et surveillance

David Beytelmann, Interview

Thierry-Fournier-Fenetre-augmentee-Paris-Bourgeois

Marie-Julie Bourgeois : Points chauds

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Pierre Carniaux : Vous êtes ici

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Céline Flécheux : Fenêtre et horizon (interview péripatéticienne)

Thierry-Fournier-Fenetre-augmentee-Paris-Fontaine
Juliette Fontaine : Les Invisibles / J’ai rêvé la nuit verte / Nuages flottants,

Thierry-Fournier-Fenetre-augmentee-Paris-Fournier
Thierry Fournier : Panopticons, Fictionnalismes, Usual Suspects

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Marie Husson, Vertigo

Thierry-Fournier-Fenetre-augmentee-Paris-Jarolim
Tomek Jarolim, Monochromes

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Jean-François Robardet : The Belly Dancer

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Marcos Serrano, Direction home

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Antoine Schmitt, No-control Tower

Recherche

L’ensemble du projet a donné lieu à une recherche pluridisciplinaire dirigée par Thierry Fournier avec un groupe de travail comprenant Jean-François Robardet, l’équipe technique (ingénieurs, développeurs), les producteurs, des personnes extérieures et des artistes faisant partie en 2011 de l’atelier de recherche Surfaces Sensibles à l’Ensad : Marie-Julie Bourgeois, Tomek Jarolim, Marcos Serrano. Tomek Jarolim et Marie-Julie Bourgeois ont ensuite été invités à participer dans le cadre du projet, respectivement pour les expositions de Prats-de-Mollo en 2012 et Marseille en 2013.

Crédits

Production : Région Ile de France / Cap Digital, Région Languedoc Roussillon, Pandore Production. Production déléguée Pandore Production (projet général), Aquilon (Futur en Seine).

Fenêtre augmentée

cycle d’expositions, 2011-2015

Cycle d’expositions collectives et installations in situ, 2011-2015 et 2019
Commissariat d’exposition Thierry Fournier
Voir également : The Watchers

Le projet Fenêtre augmentée propose une fenêtre sur un paysage comme dispositif d’exposition collective. Une caméra filme en direct un point de vue sur un paysage choisi. Les artistes invités proposent des pièces prenant cette vue pour point de départ : vidéos, œuvres interactives, dessins… Les œuvres sont ensuite positionnées sur la vidéo du paysage, diffusée en direct sur un écran tactile. Le paysage constitue donc à la fois le point de départ et l’espace d’exposition des œuvres. La démarche du projet réside simultanément dans son protocole de travail avec un site, des artistes et un dispositif spécifique, ainsi que dans l’installation qui constitue l’exposition.

Fenêtre augmentée est une série, chaque paysage ayant donné lieu à de nouvelles invitations et créations. Six expositions ont eu lieu : Centre Pompidou (Paris) en 2011 ; Fort Lagarde / Prats de Mollo en 2012 ; Friche La Belle de Mai (Marseille) en 2013, Château royal de Collioure en 2014 et La Panacée (Montpellier) en mars 2015. Enfin, les œuvres de Fenêtre augmentée Collioure ont été remises en jeu à Tokyo en 2019, avec l’exposition The Watchers – mais avec un dispositif par œuvre, au lieu d’un seul pour toutes.

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Artistes et auteurs

L’objectif du projet a d’emblée été d’inviter simultanément des auteurs (philosophes, critiques, chercheurs) et des artistes. Depuis 2011, 22 artistes et auteurs ont créé des œuvres dans le cadre de ce projet : Christelle Bakhache et Clément Feger (chercheurs en sciences sociales), David Beytelmann (historien et philosophe), Christine Breton (conservatrice du patrimoine), Pierre Carniaux (réalisateur), Jean Cristofol (philosophe), Céline Flécheux (philosophe et historienne de l’art), Benjamin Laurent Aman, Ivan Argote, Marie-Julie Bourgeois, Grégory Chatonsky, Juliette Fontaine, Thierry Fournier, Simon Hitziger, Marie Husson, Tomek Jarolim, Luce Moreau, Marine Pagès, François Parra, Jean-François Robardet, Marcos Serrano et Antoine Schmitt (artistes). Ces derniers présentent des pratiques extrêmement diverses (œuvres numériques, dessin, photographie, vidéo…) mais tous présentent au cœur de leur travail une adresse aux enjeux qui se tissent entre individu, espace et communauté. La co-présence de leurs démarches s’exerce dès les résidences : quelques jours partagés sur place qui ouvrent à une rencontre du lieu, des autres invités, de l’équipe du projet (aussi bien artistique que technique) et des interlocuteurs locaux du projet.

Il ne s’agit donc pas en premier lieu d’aborder le paysage – et avec lui la suprématie du regard que ce terme évoque – mais d’éprouver physiquement un territoire et ses situations.

Chacun propose ensuite non seulement une lecture et une interprétation de ce lieu à travers l’image de la fenêtre –  mais aussi son propre positionnement et le degré de distance qu’il choisira d’instaurer entre le spectateur, l’écran, le paysage et le territoire lui-même. La diversité des pratiques des artistes et auteurs accompagne concrètement ces choix : certaines œuvres travaillent strictement à la surface, d’autres dans une relation active avec le geste ou la position du spectateur, d’autres interrogent le support lui-même (écran – caméra) ou son positionnement vis-à-vis de l’espace, d’autres encore approchent le lieu à travers une démarche plus documentaire.

Édition sur tablettes

Depuis 2013, les expositions Fenêtre augmentée sont simultanément publiées sur iPad. Elles deviennent consultables à distance, leur paysage étant vu en streaming. Dans la version en installation (à laquelle la tablette ne se substitue pas), une tension est instaurée entre le paysage réel et l’écran, qui s’exerce selon des degrés divers en fontion des lieux : à Paris, l’écran était installé à l’endroit de la vue elle-même ; à Prats-de-Mollo, caméra et écran sont distants mais partagent le même environnement proche ; à Marseille, l’écran est réellement dissocié de la caméra et propose une vision à distance, qui convoque davantage une dimension de webcam.

La version sur tablettes accentue cette tension de par le temps réel de l’image ; elle la déploie et la renouvelle, en situation de mobilité. Le paysage qui constitue le support des œuvres est perçu à très grande distance mais en direct ; elles se retrouvent localisées selon une nouvelle modalité. La tablette introduit une dimension temporelle dans ce rapport de représentation entre caméra et écran, territoire et œuvres, spectateur et paysage. Elle propose, à distance, une réactualisation permanente de leurs enjeux.

Télécharger les éditions sur iPad : Fenêtre augmentée Collioure, Marseille et Fort Lagarde

Catalogue : Flatland

Flatland, catalogue du projet sur iPad, co-dirigé par Thierry Fournier et J. Emil Sennewald, éditions Pandore 2014.

Machine à histoires

installation sonore interactive, 2004

Installation sonore interactive, 2004
Design des objets du jardin : Zarko.
Paysage : Pascale Langrand et François Schelameur.

Le Jardin du Nombril du Monde est un projet collectif construit autour d’une mythologie fictive, qui désigne Pougne Hérisson (200 habitants, Deux-Sèvres) comme le « Nombril du Monde », lieu « d’où sont parties et où doivent revenir toutes les histoires ». Le dispositif de Machine Histoire est composé de plusieurs micros avec lesquels les visiteurs sont invités à déposer des histoires, et d’un ensemble de hauts-parleurs répartis dans l’ensemble du jardin qui diffusent en mouvement toutes les histoires précédemment déposées. Chaque visiteur constitue son propre parcours dans un paysage vocal et sonore auquel il a lui-même contribué. L’espace se construit et s’accumule au fil du temps : nourri, parcouru et interrogé par les visiteurs eux-mêmes.

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